Tras dos años de preparación, en los que la galería francesa Le Feuvre ha representado el trabajo de Sixe Paredes en Francia, el jueves 24 de septiembre (mañana) verá la luz la primera exposición individual del artista barcelonés en tierras galas, “Danza Ritual“. Una esperada muestra que traerá a Le Feuvre los últimos lienzos, láminas y cerámicas que suponen la cumbre del desarrollo artístico de Sixe.

En su trabajo concurren su experiencia personal, el paisaje y la melancolía urbanos, y su inquietud por los problemas que surgen de la evolución de la sociedad y la conciencia de sus habitantes. En estos últimos años su investigación se ha centrado sobre todo en las culturas andina y mesoamericana, sus colores fluidos, su sabiduría y su misticismo.“Le Feuvre

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Galerie Le Feuvre
164 rue du Faubourg Saint Honoré
75008 Paris

En el sexto ejemplar de la revista sobre arte e ilustración Mincho Magazine se incluye una entrevista reportada que Montana Colors ha realizado a Sixe Paredes (con fotos de Laura Rodellas), la cual os traemos integramente a continuación. En ella, a parte de hacernos comprender la complejida de la apartentemente sencilla abstracción su obra, nos habla del adelanto que supone el uso del MTN Water Based 300 como herramienta artística en sus trabajos.

-Sixe: Estuve dos años trabajando para la muestra en el Somerset House de Londres porque quería que fuera algo totalmente diferente a lo que había estado haciendo hasta el momento. El cambio más grande fue que no había ningún cuadro. Habitualmente en mis exposiciones siempre hay cuadros, pero en este caso quise eliminar ese formato para trabajar con nuevos materiales y nuevas técnicas. Trabajé cerámica, telares y videoarte con esculturas totémicas e instalaciones exteriores. Era un concepto totalmente diferente a lo que había estado haciendo hasta el momento pero que al mismo tiempo tenía un hilo conductor con todo el trabajo realizado hasta entonces.

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-Mtn-World: En la exposición que hiciste en Madrid en Casa América ya dejaste alguna muestra parecida, ¿no?

La muestra de Casa América, en el 2012, fue la segunda exposición en la cual empecé a desarrollar estos conceptos de los ancestral y de lo primitivo bajo una nueva mirada contemporánea.

Desde hace siete años, momento en que viajé por primera vez a Perú, quedé fascinado por todas las civilizaciones que se desarrollaron a lo largo del tiempo, de alguna manera, esto cambió el concepto y la forma de entender mi trabajo. Pude ver en mi trabajo, que de algún modo ya tenía la esencia del hombre ancestral.

Y da la casualidad que tu obra desde casi el principio ha tenido mucha vinculación con la pintura primitiva por sus personajes animales…

De alguna manera mi trabajo ya tenía esa esencia pero yo no la había visto. Viajar a ese lugar me hizo abrir los ojos y darme cuenta de mi conexión con ese mundo antiguo primigenio.

¿También por los colores?

Pienso que también hay alguna relación con los colores.

Cuéntanos como fue el montaje de la instalación en Somerset…

El montaje de esta expo duró cerca de un mes de trabajo. Es una de las exposiciones individuales más grandes que he hecho en toda mi vida. Tuve el placer de ser invitado al primer proyecto de Approved by Pablo, y de trabajar con un gran equipo, una gran logística para el desarrollo de la exposición, algunos de ellos grandes amigos míos como Nano4814, Eltono, Pablo Limón, Lucas (Savvy Studio).

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¿Cómo fue la aceptación en una ciudad como Londres?

Londres tiene grandes museos arqueológicos. Existe una gran pasión por las culturas ancestrales. Creo que la aceptaron muy bien. También supongo que la gente esperaba ver algo de mi trabajo tradicional y se encontró con algo relacionado, pero totalmente diferente. Cabe decir que el lugar donde hice la exposición tiene 400 años de historia y había allí una energía que iba acorde con la exposición. Creo que tuvo una gran aceptación, también porque no se trataba solamente de una exposición de pintura al uso, habían temas paralelos como cine relacionado con la cultura peruana, su gastronomía, conferencias, poesía, música, etc.

¿Qué nos puedes decir acerca del proceso de creación de las obras?

Hubo una parte de la exposición que la produje en Perú y otra en Barcelona. Para las piezas en cerámica por ejemplo estuve en Nasca trabajando con el maestro Zenón Gallegos, que pertenece a una familia con una gran tradición en la elaboración de cerámicas con la técnica milenaria del pueblo Nasca. En el caso de los telares yo mismo hice los diseños y estuve en San Pedro de Cajas trabajando con el maestro Luis Nesquin, este pueblo de tejedores a seis horas en coche desde Lima. La otra parte la hice en Barcelona trayéndome 40 kg de lana de oveja teñida a mano, con la que hice el reverso de los telares para representar la unión de dos mundos. El de aquí y el de allí. Lo ancestral con lo contemporáneo. De ahí el titulo “Futurismo Ancestral”, la unión de dos mundos.

El resto de piezas fueron realizadas en mi taller en Barcelona.

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¿Y la parte más pictórica?

En la parte pictórica de la exposición, realicé un mural en unos arcos de la sala con una de mis series de trabajo llamada FUTURISMO PRIMITIVO, esta serie nos habla de los estados alterados de consciencia por el cual pasan algunos maestros o chamanes en sus viajes místicos. Una manera de desmaterializar mi trabajo figurativo e introducirme en la abstracción, desde hace unos cuantos años he ido trabajando en esta serie para enriquecerme de nuevos lenguajes.

En esto también hay puntos en común con las culturas ancestrales respecto a la simbología, ¿no?

Sí. En un principio me he inspirado en las culturas del Perú prehispánico, antes de que los Incas conquistaran todo el Tahuantinsuyo hubo grandes civilizaciones, algunas destacadas como los Nasca, Chachapoyas, Chimú, Mochicas, Wari, etc.

Y en mi investigación pude fijarme también en otras grandes culturas que tienen mucha relación entre ellas, en muchos de sus mitos y leyendas, también en infinidad de símbolos que son similares a lo largo de todo el planeta, en su manera de construir, unidos seguramente por una consciencia global.

Pero sin duda alguna uno de los ejemplos para mi más sorprendentes es el del diluvio universal, en infinidad de culturas de todo el planeta nos hablan de esta historia mítica.

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En Europa, mucha de la cultura que había antes del cristianismo se destruyó. Allí imagino que también se perdiera mucha información por la conquista por parte de occidente…

La Iglesia Católica destruyó parte de su historia, pero ahora mismo las culturas están volviendo a su esencia más primigenia, como un proceso en el cual todo lo que está abajo vuelve a estar arriba. Y retoman sus ritos y toda su cosmovisión que los une con la Madre Tierra.

Pero siguen siendo cristianos.

Pienso que algunos sí, pero también creo que habrán comunidades que prioricen más su identidad ancestral.

Respecto a la técnica, ¿utilizas sólo pincel?

Antiguamente sí, yo no utilizaba spray porque en los lienzos se cuartea la pintura con el paso del tiempo. Pero esta nueva pintura, el Mtn Water Based, logra que tu puedas pintar con spray y luego con pincel encima sin que se cuartee. Lo fantástico de este nuevo producto es que puedes realizar efectos que con un pincel no se pueden hacer: difuminados, chorreos… las técnicas que pertenecen al mundo del graffiti se puede aplicar en un cuadro sin que se estropee la pintura a largo plazo. Utilizar los efectos del spray es conmovedor porque es el origen de mi pintura y parte de mi identidad como artista.

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Como nos comentabas que todo lo que está abajo vuelve a subir… ¿te ha sucedido algo parecido con el spray ya que era una herramienta que formaba parte de tus inicios?

Si algo parecido, porque no utilizaba sprays en mis cuadros y ahora puedo hacerlo, así que podríamos decir que tiene un paralelismo con este tema.

¿En tu trabajo de estudio has probado también el spray?

Sí. En las obras de gran formato, por ejemplo, lo he utilizado mezclando con otros materiales, también sobre papel y otros soportes, creo que es un nuevo material que abre infinidad de posibilidades de trabajo.

¿Te produce nostalgia utilizar el spray?

No, porque sigo pintando en la calle. Sigo haciendo grandes murales y por lo tanto es una cosa de la que no me he olvidado. Dentro de un estudio si que me había olvidado de utilizar el spray, pero con este nuevo material lo voy a volver a retomar.

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¿Qué referencias tiene a la hora de elegir los colores?

Trabajo con una gama de colores muy personal que ido adquiriendo con el paso de los años. Me gustan mucho los colores de la bandera wipala en estos momentos, pero también influyen infinidad de cosas de mi día a día a la hora de elegir colores.

El tema de la precisión en tu trazo también es una aspecto a comentar.

Cuando empecé a pintar graffiti ya utilizaba mucho el rectilíneo y la curva. Era algo que me caracterizaba. Así que de alguna manera la perfección de la línea ha seguido teniendo mucha importancia en mi trabajo. Con el pincel para mi también es fácil hacer esa precisión y pienso que es una característica en mi.

También hay una importancia de los detalles…

Sí, la base de los personajes siempre son muy orgánicos, pero a partir de esta base trabajo con nuevas capas lineales llamadas circuitos, para romper el plano y convertirlo en una tercera dimensión. Es como una información a parte, dentro del cuadro, que crea otra dimensión del plano. Si no tuvieran esos detalles, los cuadros estarían vacíos. Dan una nueva visión. Por ejemplo, ahora mismo mis personajes no tienen ojos y muchos no están de frente sino que están de espaldas o de lado. No quiero que ellos te miren, si no que tú los mires a ellos. Entonces los circuitos hacen que la gente interprete otra cosa diferente, aunque la idea es obvia. Así los espectadores lo pueden llevar a otra dimensión, la cual ni yo puedo ver.

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¿Hiciste alguna exposición allí en Sudamérica?

Colaboré con una asociación de amigos contra el cáncer e hice una colaboración sobre la historia de una persona que a partir de unos fármacos y de una terapia se había curado. A raíz de esa historia hice una escultura que fue expuesta en diferentes lugares de Lima.

Viendo la instalación que hiciste en el desierto se me ocurre preguntarte ¿hacia quién va enfocado tu arte? ¿Surge de una necesidad de comunicación con el público o es sólo la expresión de uno mismo?

Yo creo que parte de las dos cosas. Uno principalmente hace las cosas para uno, pero también las está haciendo para las personas que las van a ver. Estas instalaciones que realicé en Perú, las hice en lugares donde nadie las veía. No era como cuando pintas una pieza en la ciudad y todo el mundo la puede ver.

El concepto de OFRENDA CELESTE era hacer instalaciones totémicas en lugares vacíos, una manera de interactuar en ese tipo de espacios, los cuales no son lugares de paso habituales, provocando en las pocas persona que se podían encontrar con ellas un gran asombro al no comprender cómo habían aparecido allí.

Hicimos una en el desierto de Nasca, un lugar mítico y mundialmente conocido por las líneas de Nasca y otra en Pachacamac cerca de uno de los centros arqueológicos más importantes cerca de la capital de Perú.

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¿Guarda eso relación con las líneas de nazca que sólo se pueden ver desde vistas aéreas?

No, para mi es más una ofrenda al Cosmos.

Nada de “aliens”…

Para nada aliens, las mal llamadas líneas de Nasca son en realidad caminos sagrados por los cuales hacían sus rituales. Pero también hay cientos de teorías de todo tipo, algunas para mi descabelladas.

En tus cuadros hay tantos detalles que es probable que una persona al verlos no pueda asimilar toda la composición…

Posiblemente, mis cuadros tienen infinidad de capas de información que interactúan entre ellas, y creo que despiertan inquietud en quien los mira, necesitando detenerse un tiempo para absorber toda la información plasmada.

La sensación que tengo al examinar las obras es que cuando se observa por partes es como encontrarse con otras nuevas. Eso es gracias a la confinación de colores y sobretodo de los detalles.

Eso es lo que busco, infinidad de dimensiones y sobre exposiciones que generen mundos en diferentes planos del cuadro, como un mundo dentro de otro mundo.

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