ENTREVISTA CON ALEXANDRE BAVARD

Le conocemos como Mosa PAL pero también se hace llamar Alexandre Bavard, definiéndose a si mismo como “actor de graffiti”. Su inquietante obra, centrada principalmente en dos caminos tan separados como son la performance y la escultura, baraja una serie de interesantes ideas profundamente reflexivas. Es por eso y por su reciente lanzamiento de la escultura NEO-K. 19 en colaboración con Justkids, que hemos querido entrar en su universo a través de sus propias palabras.

¿Cómo pasaste de hacer tags al mundo del arte?
Empecé a interesarme por el arte a través del graffiti. Los tags que veía en mi vecindario me llamaron la atención. ¿Qué significaban? ¿por qué? ¿cómo? Esta curiosidad me llevó a otra y finalmente me empujó a estudiar Arte. Primero la Escuela de Boulle en París (diseño), luego la Escuela de Bellas Artes de Lyon. Siempre he practicado estos mundos en paralelo y, en consecuencia, ambos se influyen mutuamente.

«El riesgo de la prohibición permite desarrollar el arte y la caligrafía con un verdadero sentido de poder y placer.«

¿Graffiti en su lado legal?
Quiero aclarar que mi visión del graffiti es ilegal, es sólo como práctica prohibida que el graffiti tiene sentido. El riesgo de la prohibición permite desarrollar el arte y la caligrafía con un verdadero sentido de poder y placer. El resto me interesa muy poco. Además, me considero un escritor, no un artista del graffiti o un artista de la calle.

Pero artista al fin y al cabo.
El acto del graffiti es marginal respecto a nuestra relación con las imágenes en un mundo saturado de información. Por su singularidad y apariencia ilegal, es la punta de lanza de las ideas populares, entre el mensaje político y las reivindicaciones.
¿Qué dicen estos escritos sobre los muros de nuestro tiempo? ¿Cuáles son sus historias y cómo podemos darles un valor duradero cuando, en esencia, son efímeras?

Trato de mantener esta filosofía en mi práctica artística, manteniendo mi espontaneidad y perspectiva cerca de lo urbano. Lo que es interesante, en mi opinión, son los aspectos conceptuales que pueden ser devueltos al arte contemporáneo. El graffiti es una búsqueda estética pura y noble; un tag en una pared es autosuficiente.

«No podemos repetir las mismas cosas, formas, estilos. Hay que avanzar, proponer cosas nuevas.«

Una búsqueda que pretende dejarse ver…
Es por eso que el graffiti debe permanecer en la calle, es en este contexto que cobra vida. En nuestro tiempo es más que importante conjurar el pensamiento detrás de una obra, especialmente en lo que se refiere al graffiti que tiene una sólida historia de más de 50 años. No podemos repetir las mismas cosas, formas, estilos. Hay que avanzar, proponer cosas nuevas como con la danza por ejemplo, recuperando el aspecto ficticio que alimenta las mitologías de los artistas del graffiti, como en el trabajo de la identidad.
Hay tanto que explorar en el arte, que hace que sea bastante desafortunado ver el graffiti cerrándose sobre sí mismo, queriendo ser un arte libre, abierto y desinhibido, ya que el medio se codifica y se vuelve moralista.

¿Por qué performances?
Mis actuaciones no se practican por norma en el escenario. Me gusta que sea así, gratis y versátil para todos los espacios: clubes, galerías, calles, museos y más. Elijo la performance porque encuentro las mismas sensaciones que en el graffiti. Los sentimientos son muy similares, ambos son una manera de recuperar las emociones y traerlas de vuelta a un pensamiento más profundo. Cuando el espectáculo se realiza en la calle, se puede experimentar toda la fuerza de un throw-up hecho en la calle, para mí es incluso aún más intenso.

«La naturaleza efímera de las performances es comparable a la experiencia del graffiti. El lugar, la ilegalidad (o incumplimiento), el estilo (baile), la velocidad, la gente intrigada, la policía.«

¿Nos puedes dar un ejemplo?
Por ejemplo, en el popular distrito 18 de París, realicé mi actuación de Bulky con Manue Soum, mi coreógrafo. La gente se sorprendió al ver a estos personajes fantasmales con aspectos místicos, despertando interrogatorios y fascinaciones en un contexto de ataques terroristas posteriores. Durante el baile la música tenía mucha fuerza, con los altavoces colocados en la pista como si fuera el escenario de una improvisada fiesta callejera. Al final de la actuación, la gente que se había reunido alrededor se quedó atónita. La policía llegó unos minutos después, tarde como siempre. La naturaleza efímera de las performances es comparable a la experiencia del graffiti. El lugar, la ilegalidad (o incumplimiento), el estilo (baile), la velocidad, la gente intrigada, la policía.

¿Escultor o performer?
Es difícil ponerme en una categoría. Me considero un artista en el sentido de que expreso mi sensibilidad y trabajo en ello para darle vida.

Siempre me ha fascinado el arte total. Para crear tu propia cosmogonía, para entrar en un universo. Por eso soy fan de la ciencia ficción y la fantasía. No hay nada más estimulante que simular un mundo entero. Por eso me gusta aventurarme en diferentes medios: video, esculturas, performance y más, ya que el vínculo entre todas estas cosas no es plástico ni formal. Es la idea la que los conecta. Debemos examinar los motivos que vinculan estas obras. Por ejemplo, en el Palais de Tokyo en 2017, presenté las esculturas de Neo-Archeologia (de las que forma parte de la serie Justkids) ,y los intérpretes durante la inauguración entraron para «activarlos», haciendo que el entorno y las luces se transformaran para que los espectadores experimentaran una breve danza-performance. Todo en un formato de 45 minutos dividido en 3 actos; una ópera en la vida real. Las esculturas fueron el interruptor de «activación» de la experiencia del performance.

«¿cómo puedo mostrar una visión anticipada de la arqueología urbana en relación al graffiti?»

Explícanos como surgió la colaboración con Justkids.
Charlotte Dutoit de Justkids me invitó a participar en su programa de artistas en residencia en San Juan. Allí trabajamos juntos en una nueva performance y una serie de trabajos para la Feria Internacional de Arte Meca. Entonces decidimos trabajar en una serie limitada de esculturas. Veo este proyecto como un punto de unión entre nosotros. «NEO-K19» es el proyecto más reciente que gira en torno a los últimos temas de mi trabajo donde, a través de la investigación, me pregunto, ¿cómo puedo mostrar una visión anticipada de la arqueología urbana en relación al graffiti? La respuesta está en las huellas de los vestigios parisinos, mediante la investigación de estudios y testimonios. Como parisino, veo un vínculo claro entre estas nociones. Son visibles día a día en las calles de París, donde las reliquias arqueológicas, el cambio arquitectónico y el aburguesamiento se enfrentan y se cruzan. Los terrenos baldíos son la ilustración perfecta de este enfrentamiento y, para esta serie, me centré en lo que es más emblemático para un artista del graffiti: el tren. Este proyecto está profundamente arraigado en la realidad y espero liberar suficiente material para darle una fuerza de anticipación.
En mi opinión, este tema es fascinante y rico porque aborda cuestiones científicas, ambientales y estéticas a la vez que confronta nuestra relación con la historia y el patrimonio. Europa es muy densa históricamente, su pasado es visible en cada rincón.

«El graffiti me da una libertad que me esfuerzo por encontrar en el arte contemporáneo.«

Y además el mundo de los trenes está cargado de significados.
Es una hermosa metáfora, sí.

¿Has cambiado las calles por las galerías?
Yo no he cambiado. Todavía sigo haciendo el graffiti que me gusta. Es cierto que me dedico a otros proyectos que requieren tiempo y un proceso de construcción diferente.
Lo que me da esta legitimidad para hablar de graffiti. Muchos artistas hablan de ello en términos del pasado y piensan que es suficiente hablar de la calle o del graffiti. Quizás… pero sé que si pierdo este vínculo, mi trabajo cambiará radicalmente. Cuando eso suceda, sin duda tomaré un giro artístico.
El graffiti me da una libertad que me esfuerzo por encontrar en el arte contemporáneo.